Il Balletto di Mosca "La Classique" in una scena de "Lo Schiaccianoci"

Neve e Schiaccianoci hanno dato la giusta connotazione al periodo natalizio torinese. L’intramontabile balletto di Caiikovskij era rappresentato contemporaneamente al Teatro Regio di Torino e al Teatro Superga di Nichelino. Due allestimenti provenienti dalla Russia, da S.Pietroburgo quello del Regio, da Mosca quello del Superga. Vi scriverò di quest’ultimo. È consuetudine del Teatro Superga inserire un balletto nel suo ricco cartellone lirico e lo fa sempre con orchestra dal vivo, come si usa nei grandi teatri. Il Balletto di Mosca La Classique è una compagnia fondata nel 1990 con artisti formatisi presso le maggiori accademie russe. Ha in repertorio tutti i principali capolavori ed effettua tourné in tutto il mondo. È presente quest’anno in Italia dal 2 Dicembre e rappresenterà spettacoli fino a metà febbraio. Già l’anno scorso avevamo visto nello stesso teatro una poetica “Bella Addormentata” , quest’anno “Lo Schiaccianoci”. La coreografia di Alexander Vorotnikov è fedele a quella originale di Petipa e Ivanov, senza stravolgimenti o azzardi fantasiosi. Insomma è la notte di Natale, l’albero è tale e tale rimane, così i topi, il Principe ecc.: eventuali interpretazioni psicoanalitiche sono lasciate alla libertà degli spettatori e così sia. Niente tagli alla partitura: Lo Schiaccianoci, al contrario degli altri due balletti ciaikovskiani, negli allestimenti tradizionali non subisce trattamenti dietetici un po’ perché la durata è tale da non necessitare di riduzioni, un po’ perché è perfetto così come concepito dall’Autore, non c’è proprio nulla da togliere. Straordinari gli interpreti, in modo particolare la bellissima e bravissima Nadežda Ivanova, già ammirata lo scorso anno come Aurora. Diplomata alla Scuola dell’Opera di Perm, ha già una carriera costellata di premi e riconoscimenti, fa parte della Compagnia dal 2006.

Nadežda Ivanova

Accanto a lei il Principe di Andrey Lyapin, étoile proveniente dalla Scuola Uzbeka e nella Compagnia dal 2004.

Andrey Lyapin

Con loro i bravissimi Aleksandr Sedov (Drosselmeyer), Roman Shuparrskij (Il Re dei Topi), e tutti i solisti del Divertissiment del II Atto. I componenti dell’Orchestra provenivano dall’Est Europa ed erano diretti da Stefano Bartolucci. La compagnia avrebbe meritato applausi più prolungati di quelli comunque già calorosi tributati. Uno spettacolo così bello non è poi così frequente da vedere, anche nei grandi teatri.

Rafael Frühbeck de Burgos ©D.Porges

Che piacere rivedere Rafael Frühbeck de Burgos sul podio della OSN Rai! Sembrava di essere tornati indietro di qualche anno, quando il Maestro era direttore principale e l’Orchestra poteva contare su tre bacchette di grande prestigio (oltre a lui, Tate e Noseda) che da sole coprivano almeno metà della stagione. Sulla stampa c’erano critici che definivano l’OSN “la migliore d’Italia” e su forum di musica classica tale affermazione divideva i partecipanti con lo spirito quasi delle tifoserie calcistiche. Non vorrei fare il laudator temporis acti, certo è che sia orchestrali che pubblico applaudendo il buon Frühbeck sembravano avere quasi l’aria di chi ha ritrovato una identità perduta. Per facilitare il ritrovamento il Maestro ha riproposto un programma beethoveniano, quasi in memoriam del fortunatissimo e riuscitissimo ciclo completo delle Sinfonie. La Settima Sinfonia, eseguita con tutti i ritornelli a soddisfazione di chi esige tale scrupolo, e la Messa in do maggiore op.86.  Ho una predilezione per questa Messa beethoveniana: forse perché è un mio amore di gioventù e ad ogni ascolto mi sembra di ritornare indietro di almeno 40 anni. Fu proprio all’Auditorium Rai il primo incontro con essa, mi pare all’inaugurazione della stagione 69/70: dirigeva Mario Rossi. È pagina che meriterebbe una maggiore diffusione, almeno secondo me. Molto bella la performance che ha avuto il contributo del Coro “Ruggero Maghini”, che è tornato a collaborare con l’Orchestra, e di un ottimo quartetto di solisti: Christiane Oelze, Anna Malavasi, Paolo Fanale, Jong Min Park. Spero che Frühbeck de Burgos torni presto sul podio dell’OSN e che la collaborazione con essa diventi una consuetudine: rivedere i vecchi amici è uno dei maggiori piaceri della vita, ne abbiamo bisogno.

Copertina della "Dama di Picche" ©Sony

La Sony ha pubblicato di recente questa edizione de “La Dama di Picche” di Ciaikovski. È una registrazione effettuata dalla ORF alla Wiener Staatsoper il 16 maggio 1992 già trasmessa più volte in passato sui canali tv austrotedeschi. Ciò forse spiega il prezzo relativamente economico della pubblicazione (intorno ai 20 euro). Quel che rende interessante la proposta è soprattutto la presenza di Mirella Freni nella parte di Liza. La Freni è stata una delle migliori interpreti di questo ruolo ed era giusto che venisse immortata anche in DVD.

Mirella Freni nel ruolo di Liza alla Wiener Staatsoper © A.Zeininger

Accanto a lei il German di riferimento di quegli anni: Vladimir Atlantov.

Vladimir Atlantov nel ruolo di German alla Wiener Staatsoper © A.Zeininger

Il cast è di lusso annoverando anche l’eccellente Tomskij di Sergei Leiferkus, lo Eleckij di Vladimir Chernov, la Polina di una giovanissima Vesselina Kasarova

La Kasarova e la Freni nella seconda scena del primo atto © A.Zeininger

La chicca della serata è comunque l’impressionante Contessa di Marta Mödl ottuagenaria, qui al cinquantesimo anniversario del debutto sulle scene. Seiji Ozawa è uno degli interpreti più attendibili di quest’opera, forse la sua migliore prova in campo operistico. L’allestimento, curato dal regista Kurt Horres, purtroppo fa dei tagli nella partitura dell’opera, che in verità è ultimamente spesso bersaglio di operazioni chirurgiche da parte di registi che sembrano aver la pretesa di saperne più dei compositori in fatto di teatro d’opera. Horres sposta l’ambientazione dell’opera di almeno un cinquantennio, portandola dalla fine del Settecento all’Ottocento, di conseguenza taglia ciò che  più faceva riferimento al XVIII secolo. Dopo il preludio taglia il n.1 e passa subito alla Scena tra Chekalinskij, Surin, Tomskij e l’Arioso di  German. L’effetto è quasi da pugno nello stomaco: quale compositore avrebbe mai fatto iniziare un’opera così? Certamente non Ciaikovskij. Nel secondo atto è tagliato tutto il n. 14 (l’Intermezzo pastorale), cosicché il primo quadro dell’atto II ha una durata ridotta che compromette l’equilibrio del tutto e toglie efficacia ad alcuni momenti. Credo che Horres volesse rappresentare una Russia ottocentesca volutamente arretrata e squallida, in contrapposizione al Settecento di Caterina II, di cui la Contessa è una testimone ancora vivente, secolo che qui è un ricordo lontano e mitico: l’unico momento in cui la scena si illumina è quando Liza dà le chiavi a German, che immaginando di penetrare nella camera della Contessa sente in lontananza l’inno (stavolta quasi evocato mentalmente più che sonato nella scena) “Gloria a te, Caterina!”. La Contessa diventa un fenomeno di longevità, dovrebbe avere almeno 120 anni o più visto che ricorda  nientemeno i tempi di Luigi XV, in cui lei era a Parigi. La sua camera è un simulacro del Settecento. Sembrerebbe che a spingere German non sia solo la brama di diventar ricco con le “tre carte”, ma anche il fasto di un mondo finito per sempre, un mondo che non c’è più e in cui lui avrebbe voluto vivere. Tutto ciò potrebbe essere spiegato col fatto che l’Autore si era identificato con German e adorava il secolo dei lumi. Il Settecento in quest’opera però non è solo una cornice decorativa che si può eliminare, fa parte integrante di essa: lasciarlo così come “mito” mi pare molto riduttivo e controproducente. Tagliare il Coro dei bimbi, all’inizio, che rievoca Carmen, quasi fosse un pleonasmo, è scelta poco felice. I riferimenti all’opera di Bizet, che l’Autore amava, sono essenziali (il tema del destino, la chanson a boire di German, sorta di habanera in postfazione), toglierne anche solo uno è censurabile. Tornando alla parte musicale, Ozawa ripete l’efficace direzione degli anni precedenti a Milano e Boston con il valore aggiunto di una orchestra come i Wiener Philharmoniker. La Freni si conferma la splendida Liza delle performance precedenti. Atlantov non è più il body-builder vocale della versione discografica degli anni 70, ma neppure l’interprete completo e, secondo me, inarrivabile di quella in video del Bolshoi del 1983, comunque anche qui è un German che rimane un punto assoluto di riferimento. Leiferkus è un Tomskij meraviglioso per voce e fraseggio. Trovo invece deludente Chernov come Eleckij. L’abitudine di scritturare per la parte della Contessa pensionate della lirica sta facendo sì che questa parte stia diventando la peggio cantata del mondo dell’opera. Marta Mödl, ottantenne, fa quello che può: essendo il 50° del debutto è la sua festa, il pubblico applaude in standing ovation e la performance vale più che altro come documento. Sorge quasi il dubbio che questo allestimento così postdatato sia stato costruito ad hoc per celebrare la Mödl e giustificare in tal modo una Contessa così invecchiata, anche vocalmente. La Polina della Kasarova invece è un vero incanto.

Ottima la ripresa tv di Brian Large. La ripresa del suono fatta dalla ORF, sebbene datata 1992, è esemplare. La pubblicazione sembrerebbe destinata a chi conosce a memoria l’opera o a chi ha una conoscenza perfetta della lingua russa: nessun sottotitolo in alcuna lingua! Grazie all’eccellente ripresa sonora si percepisce ogni singola parola, comprese quelle degli urlacci della Mödl.

Da segnalare qualche svista editoriale: nei titoli di coda la parte di Tomskij non è accreditata a Sergei Leiferkus, che di fatto ne è l’interprete,  bensì a Valery Alexeiev. A Leiferkus viene in compenso accreditata l’immagine che ritrae invece Vladimir Chernov nel booklet allegato. In conclusione si direbbe che la Sony non abbia posto una eccessiva cura in questa pubblicazione.

Rosanna Carteri

Rosanna Carteri festeggia oggi il suo compleanno.

Nata a Verona, studiò con F. Cusinati e con N. Ederle. Debuttò giovanissima a Roma (alle Terme di Caracalla) nel Lohengrin, ma la sua affermazione fu alla Scala due anni dopo ne “La buona figliola” di Piccinni e a Salisburgo nell’Otello di Verdi (sotto la direzione di Furtwaengler). Seguirono successi a Chicago nel Faust di Gounod, a San Francisco nella Bohème di Puccini, a Londra nella Tosca, a Parigi ne La Traviata. Partecipò ad alcune “prime” come il Guerra e Pace di Prokof’ev a Firenze, l’Ifigenia di Pizzetti, Il Mercante di Venezia di Castelnuovo-Tedesco. Ad alcune “riprese” come La Rondine di Puccini e La Donna del Lago di Rossini. Fu protagonista delle prime produzioni liriche della Rai. A soli 36 anni si è ritirata dalle scene, ritiro interrotto solo da qualche concerto e una produzione di Traviata a Rovigo.  Ecco qualche esempio della sua arte interpretativa, a iniziare da Traviata che fu sempre il suo “cavallo di battaglia”:

a proseguire con Susanna nelle Nozze di Figaro

poi la Magda de La Rondine di Puccini:

infine la Desdemona in Otello:

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Non saranno sfuggiti in questi filmati il fascino e la bellezza di Rosanna Carteri. Qualità che ritroviamo in questa simpatica trasmissione televisiva dove la Carteri ormai ritirata dalle scene narra di una sua partecipazione al mitico Musichiere con l’indimenticabile Mario Riva:

Angela Hewitt ©Peter Hundert

Eseguire J.S.Bach alla tastiera: clavicembalo o pianoforte? Negli ultimi decenni la risposta al dilemma propendeva per il clavicembalo, visto l’affermarsi della prassi esecutiva su strumenti d’epoca. Recentemente però qualcosa sta cambiando, la contrapposizione rigida tra antichisti e modernisti sta giungendo a una felice sintesi in cui il rigore filologico della prassi esecutiva si coniuga con l’esigenza di far uso di strumenti moderni, al punto che la più accreditata interprete di Bach su tastiera oggi è la pianista canadese Angela Hewitt, che nella doppia veste di pianista e direttore è stata protagonista dell’ottavo concerto della stagione Rai. Sicuramente uno dei più importanti, sia per la qualità indiscussa dell’interprete, sia perché le pagine proposte erano assenti dai programmi dell’Orchestra (da sempre se consideriamo l’OSN, da un paio di generazioni o più se consideriamo anche la sua antenata). L’importanza dell’evento è sottolineata anche dalle repliche a Pinerolo oggi sabato 12 dicembre e a Bra domani 13 dicembre, oltre i due turni ordinari all’Auditorium. Forse avrebbe meritato una ripresa televisiva, che ovviamente non c’è stata. Una voce fuori campo avverte da un po’ di tempo il gentile pubblico in sala che il concerto è trasmesso in diretta su Radiotre: avviso di cui non ci sarebbe necessità dal momento che chi è in sala non può ascoltar la radio. Forse si vuol solo rassicurare che l’Orchestra ha ancora una sua sopravvivenza sotto la tenda ossigeno di Radiotre, finché questa dedicherà ancora un po’ di spazio alla musica classica?

Una scena della Carmen ©ANSA

Ho visto l’opera in tv, per cui ciò che scrivo è da intendersi considerando questa premessa. Tanto più che lo spettacolo in oggetto non è telegenico e ha subito una ripresa tv tutt’altro che esemplare. Può darsi comunque che il prodotto finito(tv) migliori con opportuni aggiustamenti e montaggi. C’era molta attesa per questa Carmen, anche troppa. Motivo: la regìa affidata ad Emma Dante, al suo debutto con l’opera lirica. Si è parlato e scritto di coraggio, scommessa, azzardo… e chi più ne ha più ne metta. A spettacolo visto di iconoclasmo, anticonvenzionalità, per tacere d’altro… Per scandalizzarsi di fronte a questa Carmen bisogna essere del tutto digiuni di teatro lirico odierno e ignorare ciò che fanno abitualmente i vari Konwitschny, Guth, Pountney…: se Emma Dante è iconoclasta costoro che cosa sono? A me è parso che la Dante volesse forse in origine spingersi molto più in là, ma poi saggiamente e con onestà si sia limitata a una lettura molto personale, indubbiamente, ma non così eccessiva come i dissensi a lei indirizzati farebbero supporre. Forse avrebbe voluto una Carmen “siciliana”, ma deve essersi resa conto che la scelta l’avrebbe poi portata a fare i conti con un toreador, piuttosto inedito in Trinacria, nonché con contrabbandieri che inneggiano alla libertà della loro scelta di vita, il che cozza con quanto avviene nella sua terra, con seguidilla, manzanilla e roba che con il marsala e lo scacciapensieri poca affinità hanno. Meglio allora un Sud generico, che può essere Palermo e Siviglia allo stesso tempo. Un Sud oscuro, soffocante, quasi claustrofobico che diviene simbolo della oppressione e della convenzionalità. I simboli religiosi abbondano a iosa, ma è una religione ridotta a pratica esteriore, non liberatrice, quanto strumento di repressione. Alle donne (e non poteva essere altrimenti) sembra essere affidato il compito di farsi portatrici dell’ideologia dominante e di quella rivoluzionaria. Micaela, finalmente sottratta al clichè di insipida sempliciotta ammosciamascoli, rappresenta dignitosamente la donna integrata in quel tipo di società la cui unica possibilità di realizzazione è quella di essere moglie e madre. Carmen invece è portatrice di valori eversivi di libertà a cominciare dall’amore, dichiarato subito nell’habanera, che diviene qui una sorta di “manifesto”. Non c’è sexappeal in questa Carmen, ciò che attrae (e respinge) di lei è ciò che rappresenta. Gli uomini, con tanto di coppola e camicia bianca, la osservano interessati, ma si tengono a debita distanza. Don José è combattuto tra le due scelte e cede a Carmen, ma vorrebbe integrarla, facendone una sorta di Micaela, ossessionato come è dalla figura di mammà. Carmen si ribella e lo rifiuta, suo partner può essere solo Escamillo, il cui ruolo non sembra eccessivamente chiaro, ma appare in ogni caso un po’ un outsider rispetto agli altri. Carmen pagherà con la vita la sua scelta di libertà morendo per mano di José, combattuto, ma incapace di ribellarsi a una società opprimente. Questo è quanto mi pare di aver capito dallo spettacolo. Spettacolo che, a mio modesto avviso, è troppo ridondante: troppi simboli (non sempre decifrabili), troppi personaggi in scena (sempre affaccendati e non si capisce sempre bene in che cosa), troppo di tutto. Mi è parso come se la Dante alla prima prova lirica avesse voluto mettere tutto il suo mondo teatrale in uno spettacolo. Una maggiore sobrietà credo che avrebbe giovato a una migliore riuscita del tutto. La parte musicale segue coerentemente la scelta della regia, cosicché abbiamo una Carmen piuttosto lugubre, dai colori orchestrali volutamente spenti, dai ritmi quasi funerei: la morte, presente con varie simbologie sul palcoscenico, è palpabile anche nei suoni. Non ci sono dubbi sul destino che aspetta la ribelle Carmen, in certe società chi si rivolta contro un sistema di valori dominante non ha scampo. Tra i cantanti la vera rivelazione è Anita Rachvelishvili, venticinquenne georgiana dalla voce bellissima: all’aspetto sembrerebbe una sicula (e credo  che, voce a parte, ciò abbia influito sulla scelta, davvero azzeccata). Jonas Kaufmann non è nuovo al ruolo di José e ne ha dato stavolta una interpretazione intensa, quasi interiorizzata (il duetto finale, non urlato quasi sommesso, è un vero capolavoro). Meno convincente, vocalmente, mi è parsa la Micaela di Adriana Damato, indovinatissima però dal punto di vista scenico, almeno nel taglio interpretativo dato dalla Dante. Di Erwin Schrott (Escamillo) avevo in mente prove di gran lunga migliori. La bellissima Adriana Kučerová (Mercedes) era davvero sprecata in un ruolo minore, ma in questo contesto non c’era spazio per la bellezza, almeno intesa in senso esteriore. Per ultimo Daniel Barenboim, forse vero artefice della serata, a lui forse il merito principale della riuscita dello spettacolo, a lui giustamente i maggiori applausi. Un po’ esagerati i dissensi alla regia: se originavano dall’esigenza di uno spettacolo tradizionale, ormai nei maggiori teatri non c’è scampo. Almeno questo i dissenzienti dovrebbero saperlo per esperienza.

Come già noto il Neujahrskonzert 2010 da Vienna  sarà diretto da Georges Prêtre.

Georges Prêtre

Ecco il Programma:

Johann Strauß: Ouvertüre zu „Die Fledermaus“
Josef Strauß: Frauenherz. Polka mazur, op. 166
Johann Strauß: Im Krapfenwaldl. Polka francaise, op. 336
Johann Strauß: Stürmisch in Lieb und Tanz. Polka schnell, op. 393
Johann Strauß: Wein, Weib und Gesang. Walzer, op. 333
Johann Strauß: Perpetuum mobile, op. 257
- Pause -
Otto Nicolai: Ouvertüre zu „Die lustigen Weiber von Windsor“
Johann Strauß: Wiener Bonbons. Walzer, op. 307
Johann Strauß: Champagner-Polka, op. 211
Johann Strauß: Ein Herz, ein Sinn. Polka mazur, op. 323
Johann Strauß Vater: Der Carneval in Paris
Jacques Offenbach: Ouvertüre zu „Die Rheinnixen“
Eduard Strauß: Quadrille Schöne Helena
Johann Strauß: Morgenblätter. Walzer, op. 279
Hans Christian Lumbye: Champagner-Galopp

Se è presto per augurare “Prosit Neujahr!”, pregustiamoci l’evento!

Nikolaus Harnoncourt

Oggi Nikolaus Harnoncourt compie 80 anni. Dopo Haitink, Previn.. quest’anno un altro grande direttore raggiunge un traguardo, forse non più così eccezionale, ma sicuramente invidiabile quando è vissuto nella pienezza delle propria maturità umana e artistica.

Johann Nicolaus Graf  de la Fontaine und d’Harnoncourt-Unverzagt (questo il suo nome completo) è nato a Berlino il 6 dicembre 1929 da Eberhard de la Fontaine Graf d’Harnoncourt-Unverzagt e da Ladislaja Gräfin von Meran, Freiin von Brandhoven (nipote dell’Arciduca Giovanni di Stiria, tredicesimo figlio dell’imperatore Leopoldo II). La famiglia si trasferì a Graz, dove il padre aveva avuto un incarico negli uffici governativi della Stiria. Harnoncourt iniziò la sua attività musicale come violoncellista nei Wiener Symphoniker, dove suonò dal 1952 al 1969. Con la moglie, Alice Hoffelner, fondò nel 1953 il Concentus Musicus Wien, complesso specializzato in esecuzioni con strumenti d’epoca. Fu, in un certo senso, una rivoluzione nella storia dell’interpretazione. Inizialmente snobbato, quindi ascoltato con estrema diffidenza, poi gradualmente apprezzato, infine considerato come riferimento assoluto nella interpretazione ed esecuzione del repertorio del Seicento e Settecento. Fu grazie ai dischi della “Telefunken” (affiliata alla Decca) che Harnoncourt riuscì con costanza ad affermare la sua visione interpretativa. Succesivamente iniziò a dirigere orchestre con strumenti moderni, ma sempre postulando un rigorosissimo inquadramento storico in termini di tempi e dinamica della musica eseguita, e allargò notevolmente il suo repertorio fino all’operetta viennese e offenbachiana. Tutti ricordano i suoi Concerti di Capodanno a Vienna, tanto discussi. La sua incisione delle Sinfonie beethoveniane con la Chamber of Europe segnò una data storica nell’interpretazione del ciclo. Ancora oggi le sue performance operistiche mozartiane stupiscono e fanno discutere. Harnoncourt è un ottantenne che dimostra la inventiva e l’estro di un giovanissimo. Lunga vita M° Harnoncourt!!!

Fabio Fazio

Ho visto la trasmissione intera in una “differita personale” avendone programmato la registrazione. Ammetto che ero un po’ scettico sulla qualità della trasmissione, ma mi sono con piacevolissima sorpresa dovuto ricredere. I primi 100 minuti sono tra i migliori in assoluto trasmessi dalla Rai negli ultimi anni. Il merito principale va a Daniel Barenboim che ha preso subito in mano la reale conduzione del programma, lasciando un po’ in disparte il buon Fabio Fazio, cui va tra gli altri riconosciuto l’innegabile merito di lasciare al Maestro la parte del leone.

Daniel Barenboim

Della Carmen in realtà si è parlato poco, piuttosto si sono affrontati temi più importanti, come quello dell’interpretazione musicale, del ruolo della musica e dell’arte nella vita e nella società. Momento quasi emozionante, anche se già previsto, l’arrivo di Claudio Abbado e la sua direzione della Filarmonica della Scala, presente in ranghi ridotti in studio, nell’ultimo movimento del III Concerto di Beethoven. Poi ciliegina sulla torta: l’arrivo di Maurizio Pollini. Vedere e ascoltare Barenboim, Abbado e Pollini sulla tv italiana è davvero più che un evento, non siamo abituati a tali giganti e a discorsi così elevati: roba da capogiro. Il programma si è normalizzato, pur rimanendo a un buon livello, nei 60 minuti successivi, con Baricco che raccontava la trama di Carmen, Natalia Aspesi che parlava di prime alla Scala, Barenboim ed Emma Dante che fornivano qualche piccolo spunto sullo spettacolo, Lissner che parlava in generale della programmazione scaligera e Jovanotti che parlava del suo libretto d’opera e dei progetti ad esso legati.

Emma Dante

In conclusione una delle trasmissioni migliori prodotte dalla Rai. In quanti l’avranno vista? Io spero in tantissimi, confido che la concorrenza della tonaca-fiction su Raiuno e del Santorotalk su Raidue non abbia tolto eccessiva audience. Che dire di Fabio Fazio? Solo per questo programma meriterebbe almeno un mezzobusto a Viale Mazzini, come memento e monito a coloro che decretano embarghi sulla musica classica in tv che essa non solo ha pieno diritto di cittadinanza in essa, ma che proprio grazie ad essa si può fare dell’ottima televisione che si eleva al di sopra del solito trash cui siamo ormai quotidianamente abituati. Unica nota amara: dopo uno speciale ci si aspetterebbe di vedere l’opera in tv Rai. Troppo bello! Come recitò Lissner e confermò Fazio, la Rai la riprende, ma è visibile su Sky Classica in diretta, su Arté in parziale differita, su molte reti straniere cui la Rai l’ha venduta e nei cinema di 60 città italiane. Insomma la Rai si comporta come quelle belle donne che prima ti eccitano e poi al momento buono… ti mandano in bianco: se vuoi soddisfarti rivolgiti altrove

James Conlon

Il 3 dicembre 2009 si candida come data storica per la Rai: in quasi contemporanea due eventi con protagonista la musica classica! Su Raitre, in prima serata, uno speciale dedicato all’opera in occasione dell’imminente inaugurazione della stagione scaligera e sul podio della OSN Rai finalmente un direttore di prestigio, di quelli che le istituzioni musicali si contendono e che in passato era usuale veder dirigere le orchestre del nostro ente radiotelevisivo. Se fossimo in Germania forse i due fatti non farebbero neppure notizia, da noi c’è ormai da inginocchiarsi gridando al miracolo. Sono stato testimone diretto solo del secondo, secondo me il più importante anche se non godrà dei riflettori mediatici. James Conlon è al suo debutto con l’OSN Rai: incredibile, ma vero. Forse per sottolineare la quasi eccezionalità della serata lo si è lasciato unico protagonista, senza abbinargli alcun solista. Se è vero che una parata di bacchette superstar ai fini della crescita di una orchestra vale meno  delle cure assidue di un coach serio e impegnato (che in queste ultime stagioni comunque è mancato), è altrettanto vero, a mio parere, che la presenza nella stagione di direttori di gran valore innalza la qualità e il prestigio della compagine, la “tonifica” sollevandola da quella che rischia altrimenti di diventare una deprimente routine. Alla fine del concerto gli orchestrali applaudivano soddisfatti Conlon quasi come degli studenti che dopo una girandola di supplenti volenterosi avevano finalmente goduto della lezione di un buon professore. Anche nel pubblico urla di “Bravo!” echeggiavano da vari punti della sala: indirizzate al direttore sono ormai rare nell’Auditorium di Piazza Rossaro. Speriamo che la serata segni un’inversione di tendenza e che dalla prossima stagione concerti come questo non siano da segnare sul calendario. Il programma presentava due brani arcinoti e conosciuti a memoria dalla maggioranza (se non totalità) del pubblico: la Terza di Mendelssohn e la Sesta di Ciaikovskij. Un rischio ovviamente per l’interprete, in quanto gli spettatori arrivano già con in mente interpretazioni spesso insuperabili. Conlon non appartiene a quei direttori che hanno la velleità di mutare la storia dell’interpretazione musicale, si mette umilmente al servizio della Musica e, secondo me, non sbaglia mai un colpo. Anche i critici più aggressivi e malevoli non sono mai riusciti a dir male di lui. La Scozzese è stata eseguita saggiamente con un organico d’archi ridotto, come si dovrebbe sempre fare, senza soluzione di continuità tra i movimenti e con un uso sapiente e mai esibito e stucchevole di rubati, che vivificavano la composizione dandole quasi una verginità d’ascolto. La Patetica ha goduto di una interpretazione tanto sobria quanto intensa, a sottolineare che Ciaikovskij è un grande sinfonista, non quel compositore di colonne sonore piagnucolose che alcuni interpreti si ostinano a presentare. È riuscito con abilità a bloccare con il gesto e con l’immediato attacco l’immancabile tentativo di battimani al termine del terzo movimento e soprattutto (miracolo nel miracolo) a far rispettare la lunga pausa con cui termina la sinfonia, che generalmente attacchi irrefrenabili di italica plausorrea rovinano anche in serate di prestigio. Un pubblico più silenzioso e meno tossicchiante del solito tra un movimento e l’altro. Insomma un direttore che sa gestire alla perfezione sia orchestra che pubblico. Un grande? Il termine è un po’ impegnativo, ma io lo azzarderei volentieri.

Sir John Barbirolli (scultura di B.Howard alla Bridgewater Hall di Manchester)

Giovanni Battista Barbirolli (detto John Barbirolli) nacque a Londra 110 anni fa, il 2 dicembre 1899. Il padre, Lorenzo, era violinista e con il nonno, Antonio, aveva sonato alla Scala alla prima dell’Otello di Verdi. La mamma, Louise Marie Ribeyrol, era francese. John fu avviato inizialmente allo studio del violino, ma a 7 anni cominciò a studiare il violoncello, a 10 anni entrò al Trinity College of Music e a 11 alla Royal Academy of Music. A 18 anni diede il primo recital come solista di violoncello. Dopo la Grande Guerra cominciò a sonare nella London Symphony e al Covent Garden, continuando comunque a dare concerti come solista. Fu uno dei primi solisti ad eseguire il Concerto di Elgar. Nel 1926 Frederic Austin, direttore artistico della British National Opera Company lo scritturò per dirigere i tours operistici in trasferta per l’UK. Così nel settembre 1926 ebbe luogo il suo debutto operistico a Newcastle upon Tyne nel Roméo et Juliette di Gounod, cui seguirono Madama Butterfly e Aida. Nei sei anni successivi diresse sia la BNOC che il Covent Garden nei tours “provinciali”, allargando notevolmente il suo repertorio. Ebbe modo anche di sviluppare una notevole tecnica direttoriale che gli faceva ottenere i migliori risultati in tempi record. Cominciò anche a dirigere la LSO. Dal 1933 al 1936 fu direttore a Glasgow della Scottish Orchestra. Nel 1937 fu chiamato dalla New York Philharmonic a succedere ad Arturo Toscanini. Un incarico del massimo prestigio che durò 5 anni. La critica (soprattutto Olin Downes) gli fu ingiustamente ostile in quanto idolatra Toscanini, che era passato alla NBC Symphony, e considerava Barbirolli inadeguato come successore del Maestro italiano. In questi anni introdusse nel repertorio della NYPO musiche di compositori britannici, fece un buon numero di incisioni per la HMV accompagnando solisti come Heifetz, Cortot, Rubinstein. Non volle rinnovare il contratto con l’orchestra newyorchese perché sarebbe stato costretto a prendere la cittadinanza USA e Barbirolli desiderava tornare nell’UK. Al rientro gli fu offerto l’incarico fondamentale della sua vita: la nomina alla direzione della Hallé Orchestra di Manchester. Barbirolli arrivò a Manchester il 2 giugno del 1943 e trovò l’Orchestra in condizioni precarie. In sole tre settimane la rinnovò nell’organico con un tour de force di audizioni. Nacque quindi una new Hallé cui il Maestro rimase legato fino al 1970, anno della sua morte. Come direttore ospite diresse e incise dischi anche con altre orchestre britanniche ed europee, ma il suo nome fu sempre associato alla sua Orchestra con cui effettuò molte incisioni.

Sir John Barbirolli

Grandissimo interprete della musica britannica, soprattutto di Elgar e di Vaughan Williams, eccelse anche nel repertorio sinfonico romantico, soprattutto in Brahms (di cui incise un’integrale con i Wiener Philharmoniker di altissimo livello). Anche alcune incisioni operistiche sono considerate di riferimento: la Madama Butterfly con i complessi dell’Opera di Roma è da molti ritenuta la migliore in assoluto. L’Otello di Verdi (purtroppo compromesso da un tenore “al di sopra delle righe”) è anche un esito memorabile per la direzione d’orchestra. Resta anche memorabile il Requiem verdiano con la Caballé.

John Barbirolli con Montserrat Caballé, durante le sessioni di registrazione del Requiem di Verdi alla Watford Town Hall di Londra © R.Wilson/EMI

Fu un eccezionale interprete mahleriano e duole davvero di non disporre di un’integrale che sarebbe forse un riferimento ineludibile. Lo vidi dirigere una sola volta: la Quinta di Gustav Mahler alla RAI di Torino nel Gennaio 1970 (sei mesi dopo, il 29 luglio, il Maestro morì). A distanza di tanti anni l’emozione di quella serata è ancora viva in me. La notte successiva al concerto non riuscii a prender sonno: l’incontro con un grandissimo produce effetti di questo tipo.

Vi propongo un ascolto mahleriano:

Quindi una prova bruckneriana:

un video in cui è solista la oboista Evelyn Rothwell, sua moglie

e un raro video con la Hallé di Manchester:

Semyon Bychkov

Semyon Mayevich Bychkov (Семён Маевич Бычков) è nato a S.Pietroburgo (allora Leningrado) il 30 novembre 1952. Studiò alla Scuola Corale Glinka e al Conservatorio della città natale con Ilya Musin. Nel 1973 vinse il Concorso per Direttori “Rachmaninov” e avrebbe dovuto dirigere la Filarmonica di Leningrado, ma il concerto fu cancellato in quanto Bychkov non era in linea con l’ideologia di partito. Abbandonò l’URSS l’anno successivo emigrando negli USA, dove studiò al Mannes College di New York. Fu direttore musicale della Grands Rapids Symphony, quindi direttore ospite e poi principale della Buffalo Phiharmonic. L’ammirazione e la stima di Herbert von Karajan furono in parte l’input per una serie di fortunati concerti attraverso l’Europa. Il 4 luglio 1983 divenne cittadino statunitense. Dal 1989 al 1998 fu direttore dell’Orchestre de Paris. Nel 1997 è stato nominato direttore principale della WDR Sinfonie Orchester di Colonia, carica che occupa tuttora e che terminerà nel prossimo anno. Ha sposato in seconde nozze Marielle Labeque ed è fratello del direttore Yakov Kreizberg.

Ho avuto la fortuna di asssistere dal vivo a più concerti diretti da lui, sia a capo dell’Orchestre de Paris, sia a capo dell’OSN Rai (ai bei tempi in cui in essa si investiva di più…), sia a capo dell’Orchestra del Regio (che diretta da lui subiva una metamorfosi che dimostrava l’importanza di un grande maestro nella piena riuscita di una performance), sia a capo della WDR SO.

Alcuni esempi musicali, ad iniziare da quel Rachmaninov che avrebbe dovuto dirigere a Leningrado:

proseguendo con Shostakovich, di cui è interprete quanto mai efficace:

per giungere a quella Alpensinfonie, che attualmente è un po’ un suo cavallo di battaglia:

senza dimenticare alcune sue performance operistiche ciakovskiane fiorentine, tra cui questo Onegin del 2001:

La Wanderer.it, come risulta da un commento all’articolo “Un anno di blog”, lamenta equivoci sorti a proposito del nome affine e dell’immagine utilizzata. Dichiaro di non far parte dell’Associazione suddetta e che quanto scrivo nel mio blog non deve assolutamente essere riconducibile in nessun modo ad Essa. La scelta del nome e dell’immagine, affini, da parte mia è del tutto casuale e non collegata in nessun modo al Club, di cui fino ad oggi ignoravo l’esistenza.

Piotr Anderszewski

Il quarantenne pianista polacco ha richiamato un pubblico più numeroso del solito all’Auditorium Toscanini per il sesto concerto della stagione. Non si è certamente risparmiato presentando ben due concerti di Wolfgang Amadeus Mozart, che lui adora in modo speciale e modificando in parte il programma che in prima stesura prevedeva l’op.134 di Schumann. L’abbinamento dei concerti KV 453 e KV 456 trova ragion d’essere nell’anno della loro composizione (1784). Può essere interessante questo video realizzato in occasione della registrazione del CD con il KV 453 e il KV 466 alla Usher Hall di Edimburgo nel settembre 2005. (Anderszeski esegue l’ultimo movimento del KV 466, ma rende bene l’idea del suo stile).

Perfezionista, considera Richter, Gould e Benedetti-Michelangeli i suoi numi tutelari (e scusate se è poco!). Di certo Anderszewski sa quel che vuole e non si accontenta di una routine ripetitiva, ma è teso a risultati interpretativi sempre più alti. Il pubblico è affascinato oltre che dalla sua arte interpretativa, anche dal suo look anticonvenzionale che mira un po’ ad avvicinare palcoscenico e platea. A dirigere Jeffrey Tate, direttore onorario dell’Orchestra e in questi ultimi anni unico suo punto di riferimento.

Jeffrey Tate

Tate ha incorniciato il dittico mozartiano con due brani di due suoi autori prediletti (Mendelssohn e Haydn). Del primo l’ouverture “Le Ebridi” e del secondo la Sinfonia Hob.I n.95. Quest’ultima è l’unica delle sinfonie londinesi in tonalità minore ed è forse quella che io preferisco. In particolare il Minuetto con il Trio in cui il violoncello ha una parte solistica.

Secondo appuntamento della nona stagione lirica del Teatro Superga: La Bohème di Giacomo Puccini. Titolo amato da tutti gli appassionati d’opera che da più di un secolo immancabilmente finiscono col prendere il fazzoletto per asciugar le lacrime alla morte di Mimì: potranno vederla e ascoltarla centinaia di volte, ma non dà assuefazione, l’effetto è sempre lo stesso. Si commosse anche Puccini nel comporla ed è uno dei momenti più alti in assoluto di tutta la storia dell’opera. In fondo anche i registi, tranne qualche pazzoide iconoclasta, hanno in genere avuto rispetto di questo capolavoro, limitandosi talvolta a posporla di un secolo, aggiornando in alcuni casi la cartella clinica di Mimì (ogni secolo ha i suoi mali…): operazione comunque inutile e gratuita in quanto non apre nessuna prospettiva nuova nell’interpretazione dell’opera. Né potrebbe: La Bohème è nata già perfetta, non c’è niente da aggiungere e nulla da togliere, da sola rende immortale il suo Autore. Naturalmente l’allestimento presentato dal Teatro Superga si muove pienamente nell’ambito della tradizione con uno spettacolo di ottimo gusto sia nelle scene che nei costumi, entrambi semplici, ma non poveri, non manca nulla pur nello spazio non particolarmente esteso del suo palcoscenico. Compagnia di canto giovane e affiatata, che dà quella giusta freschezza e rende credibilissima la vicenda. D’altronde ormai anche le grandi istituzioni liriche tendono a scritturare giovanissimi per Bohème: la presenza dei divi navigati rischia di alterare un po’ l’equilibrio di un’opera dove se i protagonisti sono indubbiamente Mimì e Rodolfo, anche gli altri personaggi hanno un ruolo non secondario e il pari merito è forse la carta vincente degli allestimenti. Lo intuì il grande Bernstein che più di vent’anni fa a Roma presentò in forma di concerto una Bohème di giovanissimi, che se da un lato fece scalpore finì poi col fare scuola. I cantanti che ieri sera hanno cantato a Nichelino sono giovanissimi, ma molto preparati e con un repertorio già vasto. Gioconda Vessichelli (Mimì) vanta nel suo curriculum anche la parte di Madama Cortese del “Viaggio a Reims” affrontata al ROF 2004, è una giovane che è dotata di una notevole poliedricità, poliglotta, passa dalla Bohème (in cui ha anche in repertorio Musetta) all’operetta al Così fan tutte (ove ha in repertorio sia Fiordiligi che Despina): insomma un’artista completa.

Gioconda Vessichelli

Rodolfo era il coreano Kim Choong Sik (che col battesimo cristiano ha premesso il nome Bosco in onore del Santo piemontese), tenore di ottima scuola (Bergonzi), di bella voce, che affronta con successo anche ruoli di lirico-spinto come si può verificare da questo

Nessun Dorma cantato lo scorso anno a Lecco

che è stato bissato a gran richiesta.

Valerio Garzo (Marcello) ha un repertorio che va da Cimarosa a Mozart a Puccini. Ascoltiamolo nella parte di Ping in una Turandot dello scorso aprile a Vercelli, dove si ha anche modo di ascolare l’ottimo Silvano Paolillo (il Benoit della Bohème) nella parte di Pong

Ho una casa nell’Honan

Elisa Cenni (Musetta) è una cantante di ottima scuola (Renato Bruson), già vincitrice di concorsi, di bella e spigliata presenza scenica. Nel marzo scorso ha affrontato il ruolo di Carolina all’Opéra di Parigi nel

Matrimonio Segreto di Cimarosa

Una Musetta seducente e generosa nel mostrare il suo ben di Dio con gratificazione del pubblico maschile.

Il basso venezuelano Ernesto Morillo ha cantato ottimamente l’aria di Colline strappando meritate  ovazioni a scena aperta.

Ferruccio Finetti è stato un buon Schaunard.

Ho lasciato per ultimo colui che in realtà è stato il vero protagonista della serata: il direttore Lorenzo Castriota Skanderberg.

Lorenzo Castriota Skanderberg

Giusto un anno fa lo avevamo ascoltato dirigere “Tosca” nello stesso teatro e con la stessa orchestra e ne avevamo ammirato la indubbia capacità di valorizzare l’orchestra pucciniana. Puccini è stato un grandissimo orchestratore, forse il migliore in assoluto del melodramma italiano. Soprattutto nelle sue ultime opere l’orchestra assume un ruolo fondamentale e diventa coprotagonista. Basti dire che Ravel aveva la partitura della Fanciulla del West sul comodino da notte e la considerava un capolavoro irrangiungibile. Lo sanno i grandi della bacchetta che hanno un amore sconfinato per Puccini. Insomma Puccini necessita di un buon direttore e tale è Lorenzo Castriota Skanderberg. Con una buona orchestra come la Sinfonica Città di Grosseto il risultato è garantito. Ma Castriota Skanderberg ha curato in maniera puntuale anche i cantanti. Si vedeva la sua mano sinistra continuamente guidare il palcoscenico, cui  aggiungeva spesso il movimento delle labbra ad accennare e quasi suggerire il canto. Purtroppo, e mi duole davvero scriverlo, il risultato è stato in larga parte compromesso dalla struttura del teatro, che non essendo nato per la lirica, manca di buca orchestrale e di quegli accorgimenti che favoriscono l’acustica. Per cui l’orchestra ha finito col creare spesso una barriera sonora tra palcoscenico e pubblico: un vero peccato, perché tanta cura nella preparazione dello spettacolo avrebbe davvero meritato una più soddisfacente fruizione da parte del pubblico, che comunque ha capito e ha saputo attribuire i giusti meriti a tutto il cast con i meritati applausi. Vorrei citare ancora il regista Renato Bonajuto, che ha saputo tra le tante cose dare un po’ di graziosa civetteria a Mimì nella sua prima apparizione in scena e chi ha curato le luci sempre pertinenti al momento. Una menzione anche al Coro Puccini diretto da Gianluca Fasano, che con la sua costante presenza si può quasi considerare un’istituzione stabile.